古瓷残片入画

绘画:木瓜,文字:木又寸

从白玉无瑕到花好月圆,自古以来中国人便有追求事物“完整”的执念,但是总有一些东西在挑战你的“完整”情结。

你可能会想,这样的破瓷片有什么好欣赏的?还不如一个完整的瓷器来得好。

那你一定不要错过这组画,它会为你的审美打开一扇新大门。

雍正青花瓷片·唐明皇游月宫图

当水彩遇上青花瓷,让人直呼天作之合——水彩的通透、明丽与柔和,最大程度发挥出了瓷片的美感。

崇祯 青花

与光滑洁净的瓷相比,带有细密纹理的纸张与层次丰富的颜料晕染,让瓷片的色彩更有韵味。

万历老马

水彩的色调绝妙地复刻出了青花纹样的秀雅,甚至更添一份朦胧柔美。不论是大面积的铺色还是精细的线条,画面始终不失干净整洁。

大明嘉靖团狮纹

一块碎瓷片,因几经曲折的轮廓、凹凸不平的截面,更添了几分立体感;也正因如此,画面的结构达成了一种奇妙的平衡。



顺治青花折枝花卉纹盘

我们不仅能从中感知到瓷片的厚度,甚至能想象出摩挲瓷片边缘时粗粝的手感……

顺治瓷片
雍正青花瓷片

只画瓷片略显单薄,添上各种昆虫或是花瓣、枝叶,更显风趣。花草昆虫为生长者,是动;瓷片本没有生命,是静。动静结合,生命力似乎就要冲破画纸。

如此独特的画作,让人不禁好奇背后的创作者是如何得来这一番妙思。

画家本人说:

因为我爱人喜欢收藏,十几年来我耳闻目染。他收藏了许多瓷器,明清瓷器、高古陶瓷都有,还收集了几大箱的瓷器残片。闲来无事的时候,他喜欢擦拭观摩瓷片标本,样子很入神。受他的影响,一段时间我痴迷上画瓷片,我发现瓷片上的图案有一种令人心生宁静的“残缺美”,它不完整,却能真实传达遥远过去的时代信息。于是我画了一个系列。”

顺治年·白玉兰
天启年·马

(以上内容选自公号“珞珞看图”,获授权)

秋宵月色胜春宵

图、文:樊枫

壬寅中秋皓月凝輝"

公历2022年9月10日,农历壬寅年八月十五日
中秋

万影皆因月
纸本水墨
68×68cm
2006


中秋节,又称祭月节、月光诞、月夕、秋节、仲秋节、拜月节、月娘节、月亮节、团圆节等,是中国民间的传统节日。

门径俯清谿
纸本水墨
68×68cm
2002

中秋节源自天象崇拜,由上古时代秋夕祭月演变而来。中秋节自古便有祭月、赏月、吃月饼、看花灯、赏桂花、饮桂花酒等民俗,流传至今,经久不息。

初月盈门
纸本水墨
68×68cm
1998

中秋节起源于上古时代,普及于汉代,定型于唐朝初年,盛行于宋朝以后。中秋节是秋季时令习俗的综合,其所包含的节俗因素,大都有古老的渊源。中秋节以月之圆兆人之团圆,为寄托思念故乡,思念亲人之情,祈盼丰收、幸福,成为丰富多彩、弥足珍贵的文化遗产。

(以上内容选自“樊枫艺术工作室”,获授权)

我画的肖像漫画

文/ 小雨

我可能是卡住了……

俗称“瓶颈期”,我的肖像漫画近两年越画越困难,特别今年除了身边亲友的委托,基本没有接单了。

我画肖像漫画的满足感也不见了,都是紧张、抗拒和拖延。

现在手上还有怎么也画不好的“烂尾单”,之前也有实在交付不了退款的状况,有的是勉强完成,自我满意度很低。甚至没有付款,也不来催我的,我也直接默不作声,当作没有这回事了。遇到亲友委托,我也常常僵硬地完成,拿不出两幅自己满意的画来。其中有客观的没时间画画的原因,也有主观的瓶颈期,一时没找到突破口的原因。

总之,现在提起肖像漫画,我都觉得自己是个僵硬呆板、水准欠缺和不负责任的人。

所以,我打算停下来修整一阵子,抛弃现有的画法,寻找一些新的感觉,帮助自己度过瓶颈期。

开始

我从小就喜欢画人物,就是从那种穿得花哩胡哨的仙女或公主开始的,并且除了“仙女”,就没有其他身份的人物了,想来我的“人物画”路子狭窄是从很早前就这样了。

珍贵的高中时的草稿本

我真正开始画肖像漫画,是从2012年与落子老师在武汉美术馆的相识开始的。当时我作为美术馆的志愿者有时会在馆里参加活动,初见落子老师时我兴奋得不得了,因为落子老师是我见到的第一个“活的”漫画家,我拿我的速写本给他看,说我从小就想做漫画家。落子老师对待爱好画画的人向来是热情的,他鼓励我和他一起画起来。我当时觉得太难了,因为我在各种专业学习和考试里成绩都是很一般的,加上久不练习,我几乎画得像个人样都难,其他的就更谈不上了。

我就是从这里开始的

最开始我常给落子老师装画框,他画好以后,我来装框。在他画的间隙里,我也会跟着画一张速写。或者不敢画时,就干脆在旁边只等着装框。在这一个阶段里,有一件小事给我的印象很深。某一次我站在落子老师身后画速写时,有一位专程赶来见落子老师的朋友和落子老师聊了半天以后,在现场拍了几张照片,他选好了一个角度以后,上来跟我说:“请你让一下。”就把我请出了镜头,他拍好照片以后,我才回来继续画。在这次以后,遇到有人拍照,我都会赶快躲出镜头。

直到不记得几年以后,有一次我又站在落子老师身后画同一个模特时,突然看到有人要拍照,我马上后退让出位置来,他反而上来请我站回原来的位置,他想拍的是我们一起在画画的场景。

我对这两件小事的印象很深,也许只是个巧合,把我请回镜头里的拍照大哥可能只是想拍个人多热闹,但是这中间我的状态也发生了变化。刚开始时,我几乎不敢被别人看到我的画,遇到有人真心索要,我也不愿意签名,因为真的太差了。几年以后,我基本可以完成一场像样的肖像漫画现场了。

是长时间和大量地画的过程让我从落子老师的肖像漫画现场的台后走到了台前。

画现场很容易产生满足感,因为现场画一个人只有十几二十分钟的时间,在这个时间里很多感觉是即兴的,线条也相对松弛。一天下来可以画上很多张不说,也许还能找到很多新的感觉。

在画现场的日子里,我听到过最让我开心的评价来自一个带小朋友的爸爸,他说他们去香港、和日本玩时都给孩子画过现场的肖像漫画,但他们觉得我画的是最像的,也是最可爱的,所以特别满意。

这种被肯定的感觉实在太好了。

但是现场画也容易出现不稳定的状况,遇到不对路子的形象,或者状态不好,都有可能翻车。

另一方面,我也觉得自己的现场画其实已经僵化了,实际上只是在重复,并没有实质性的水准进阶。

关于卖钱

为什么画肖像漫画挣到钱会让我这么开心呢?

当然是因为我缺钱。

如果画肖像漫画能给我带来不错的收入,我几乎不愿意再做其他事了。我会把“画画”分为在家接画单+自由创作两条线,完美解决社恐人士的苦恼。又能做自己喜欢的事,又能赚钱,真是不能更理想的生活。

同时,抛开自己的亲友,当一个非亲非故的人愿意为一张画买单时,他一定是肯定了这张画的价值。

经过一个比较长的定价过程,我画照片的肖像漫画基本定在了这样的价位上,不贵吧?

还有一些一直支持着我的“老客户”。

这个小宝贝我从他出生画到了现在。

现在已经是妈妈的“小小织女”从她小时候画到了结婚生娃。

我总是画不好小朋友和年轻女性之外的其他年龄段的人,织女妈妈的这一张是我画得最满意的“阿姨”。

她小时候的照片系列实在太可爱了,是那种我看了就想画的类型,也是非常适合我的肖像漫画的素材,但不知怎么,画出来的效果总是不尽人意。

画照片与现场比起来略显僵硬,因为直接看到活生生的人和照片完全不是一回事,这种感觉大家应该都有体会,很多人的照片并不像本人。不止是美颜的问题,有的人就是照片和本人给人的感觉不同。所以光是凭照片很难捕捉到本人真神的神彩,为此我们多会要上三五张照片,并要求清晰的“生活照”,以获得对人物的更多感觉。

我遇到过最夸张的一次是画一家三口的照片,我自认为画得还算像照片了,就发了稿子过去。结果对方说我把她老公画得特别老,而我对着照片几乎无从改起,因为在我看来真的很像照片,我实在不能想象她老公本人到底是什么样的。

之后她说:算了,反正是画着玩玩的,然后就把我删了……

所以,照片的质量也在一定程度上决定了画的质量。如果收到构图和色彩优良,又清晰的生活化照片,我多半就知道画也不难画。但如果照片质量不高,比如像素不高、构图不好、角度不好,表情不自然,或者美颜过度等问题,那画面组织就需要花费更多精力,且最终效果像不像本人也很难说,只能说尽力像照片了。

可能都没有几个人发现,我偷偷地涨了一次价,但是完全没实行起来,因为我越来越心虚,多收几十块钱也不敢,已经进入瓶颈阶段了。

我属于严重的讨好型人格,这一点在售卖我的肖像漫画的过程中表现越来越明显。我总是期望对方收到画时会满意,所以在努力画好画的同时,也会尽力追求画得“像”,让对方满意,感到买我的画物超所值。

如果不涉及到钱,来自亲友托付的呢?

也是一样的。

我接受托付的亲友一定是我重视的人,又怎么会敷衍呢?

特别是那些本身就具有很高审美水准的师友,他们的索画本身就是极高的评价,我会更加希望自己拿出有水准的作品来。

但是,我的技法实际上是跟不上我的期待的。所以画了很多只是“像”,但并不“美”的画。我有时看到很多画得马马虎虎的画就那样摆在了别人家,都忍不住偷偷地捶胸顿足。

所以,在追求“像”的过程中,我的手和线条越来越紧张,小心翼翼地磨着碎碎的笔触。但实际上,我理想的线条是松弛的、舒展的、自由的,是看似随意,又恰到好处的。以现在的水平看来不止达不到,好像方向都错了。

如果照片质量、人物形象和一切机缘都巧合,也可以画出一张看起来还不错的画来。但大多数时候都没有这样的好运气,最后只能勉强交稿。如果对方稍稍表现出不满意,我就会非常难受。还有一些是对方觉得还不错,但是我费了很大的劲勉强拿出来的结果,实际上在我心里并没有过关。还有一种最糟的情况就是反复画,反复不行,我实在觉得拿不出手,百般拖延,倍受折磨,但对方又很无辜,这关人家什么事,完全是我自己的问题。

这个世界上的人如此不同,我怎么可能画出能讨所有人欢心的画来呢?我只能画出我自己看到的,自然地呈现自我的感受就好了。所以,我们一般都会提前说明:“画完后不作较大的修改”。但是,我总是觉得达不到对方满意就没办法结束这张画,我真不希望别人对我失望,这种心态非常不好。

所以,我认为是我的心态出了问题,太在意别人的态度和想法,却完全忽略了自己的成长。

我现在越来越明白落子老师说的:“‘像’不重要,重要的是‘好看’。”“好看”的画就是一幅完整的作品,我的肖像漫画现在还算不上是作品。只是追求“像”的路子绝对是有问题的,即使画到最像,也只是一张很像照片的画,又有什么意义呢?漫画的造型价值在哪里呢?

好吧,总结了半天,我还是觉得我好像在找借口,我练习得太少了,我得更勤奋一点,摆正心态,多画多思考,争取早日进阶。

(以上内容选自公号“小雨和她的小漫画”,获授权)

画热带雨林:我的工笔画创作新阶段

金鸿钧《古藤繁华》

绘画及口述:金鸿钧

采访:王丹

1990年,郭怡孮想去西双版纳,就约了美院花鸟组的老师,许继庄、张立辰,我们组成了一个小团队。这给了我比较大的冲击,我的创作发生了很大变化,开始画热带雨林,进入了创作的第三阶段。

热带雨林是无边无际,充满生命力。当时感觉特别好,但不知道该怎么画。这时速写起了很大作用,因为眼睛是有选择的,是通过取舍完成速写的。

这时创作了《生生不已》,我着重构思树藤的构架,将相互矛盾的枝条去掉,加强主势。扭曲的树干和茂密的叶子从生长到枯萎再到新生,给人一种循环往复的感觉。落叶是发黄的,新叶是紫色的,增加雨林的神秘感,同时体现大自然的生生不已。

金鸿钧《生生不已》

1992年创作了《榕根》,我看到榕树的根都长到了一块,强烈感到团结的力量。榕根经过了几百年的生长,错综繁杂,画面整体结构是矩形,造成坚定向上的感觉。我用素描明暗互相互相衬托,把空间推远,远处提亮出射进的阳光,增加了美感。 亮处加两只小鸟是为了增加生气。

金鸿钧《榕根》

《落叶归根》这幅的题目是佛教用语,表示不论多少转折最后都会回到原处。这幅画是在福建创作的,泉州有一棵古老的榕树,据说一百年前倒了,现在又复生。我画的时候突来灵感,想到香港回归,不正是这个含义么?所以,我主要描写的是根的部分,并将泉州开元寺见过的一组根移了过来,画面整个大势再加上这种穿插的细节。创作可以将美的东西集中在一起。

金鸿钧《落叶归根》

既然表现的是落叶归根,我便将主要精力放在落叶上。落叶刚落下来还是绿的,从绿慢慢变浅,浅的慢慢变黄,从黄慢慢变成棕,从棕慢慢变成紫。姿态有俯、有仰、有卷、有疏,每个叶子各有不同姿态,不同颜色,这幅画也是我此阶段的代表作。

金鸿钧的创作稿

总体来说,我认为观察生活对创作是特别重要的。尽管临了古人很多东西,但最终一定要走到生活里边去。在生活里能发现新的美感,能扩大题材范围。到了热带雨林,看到全新的景象,尝试创新,虽并不成功,但也是一种探索,且通过自己的观察体会自然界生生不息的哲学。

(以上内容选自公号“雪涛艺坛”,获授权)

我在意大利学版画

文/ 张颂歌

2021年6月,我走进意大利博洛尼亚MAMBO美术馆,看到了意大利极负盛名的画家和版画家乔治•莫兰迪(Giorgio Morandi)的原作。

莫兰迪(Giorgio Morandi )版画作品

与我之前在杂志和网站上看到的图片比较,除了有质感及色彩上的区别外,千篇一律的题材,颜色在灰度上变化着,视觉冲击力远远不如隔壁的当代艺术展馆,没有夸张绚丽的技法,质朴平淡的笔触在说着话,传达着某种情绪。如果非要用文字表达这种情绪,那应该是安静中的一丝忧郁,平淡中的坦然和松弛,没有什么震撼,就是淡淡的过目不忘。

乔治•莫兰迪 (Giorgio Morandi)

我最终选择在意大利博洛尼亚美术学院学习版画,是力排家长老师们的众议,三选一(视觉艺术、版画、马赛克艺术)的结果,就是想亲手触摸莫兰迪曾经用过的版画机,在他曾经学习任教终身的地方,制作一张属于自己的版画。

作者版画习作之一

意大利美术学院中的版画专业叫做Graficad’arte,用中文直译过来话是图形艺术,学生和艺术家们更愿意用“切口”(Incisione)来描述版画作品,我想这种细微的差异能够体现出欧洲对于艺术创作媒介的界定中关于版画不同于其他门类的地方。对于“图形”这个词语,我们一直指的通常是与绘画相关、用符号表示和交流的东西。由于传统的图像复制和复制技术(木雕和金属雕刻)需要通过符号进行结构化,因此通过印刷产生的东西被定义为“图形”。由此“图形艺术”一词意味着印刷的艺术(技术)。更广泛地说,现代意义的“图形”主要指以纸上符号实现表达交流目的的特定图像家族。典型的绘画和印刷,具有不同的代表或交流目的,因情况而异。就我个人在意大利学习的感受而言,意大利的美术学院无疑是更加注重且放大了版画的“图形”又或是“符号”意味。

同当今艺术市场上的版画作品对比,例如数字版画、综合材料版画(运用树脂丙烯热熔胶等材料制版),意大利的版画似乎更加“传统”,版画所独有的可印刷可复制性并没有因为现代出版技术的发达而被忽视和弱化。在制版和刻板的过程中需要兼顾到印刷中可能会遇到的问题,当然艺术家会在上墨和擦板(擦去板子上多余的油墨)时用一些独特的处理方式让每张作品看起来不是那样的千篇一律,但更多时候这整个过程是机械且统一的。

似乎版画是个古板的专业,人人在工作室中像匠人一般抛光,刻板,上油墨,直到用力转动压印机,没有哪一步流露出艺术家的从容,工作室内的设施绝不算先进,那儿至今还保留着莫兰迪使用过的版画机。

为了飞尘技法所准备的风箱也需要用吹风机把松香粉吹散,这样的的硬件并没有消磨大家的创作热情,不那么便捷的操作仿佛成为了一种必须为艺术而作的牺牲。这个专业之所以还能够保有一席之地也是它能涵盖出版印刷相关的知识,即使不作为艺术品,版画也可以与商业邻域较好地结合。从美院的课程安排来看,除了传统的版画技法(蚀刻,水印木刻,丝网版画)和艺术理论,学生们还会学习到艺术出版课程,手工造纸课,插画课等等,美院会尽可能地去拓宽专业的使用范围。

在漫长的欧洲艺术发展过程中,绘画从最开始为宗教服务,到照相机的问世,再到杜尚把小便池搬进美术馆,一次次的冲击让绘画的界限一再拓宽,形式也千变万化,人们对于当代艺术的认知也愈发模糊。人们不能再在美院中找到油画专业,视觉艺术系会涵盖装置、雕塑和绘画,人们进行艺术创作的媒介早就没了桎梏,唯独版画还在因为自身特性被限制着,即便早期独有的印刷复制特点在弱化,却依然是绕不开的艺术形式,艺术家们抛开它作为出版印刷的工具,发现了它独有的艺术语言。钢针划过金属板留下的痕迹,尖锐的凹槽不是画笔能够模仿的,底板的边缘在纸上留下的压痕本就是作品的一部分。

作者版画习作之二

开始创作版画作品,就蚀刻技法而言,最常用的就是锌板,材质相对铜版柔软,用铡刀裁出想要的尺寸,然后便是拿起砂纸,由800目到2000目反复打磨锌板,配合抛光剂,当你手中得到一面镜子时,第一步也就大功告成了。这些是为什么版画作品一般尺幅较小的原因,大尺幅的作品意味着你要花更多的时间去打磨你的“镜子”,因为任何一点痕迹在压印机的压力下都会在纸上一览无遗。第二步是将打磨好的锌板放在加热板上,为了融化沥青(根据所用技法的不同涂料有时会发生改变)使之均匀地覆盖在锌板上,使用工具将版面置于煤油上方,利用煤油灯的黑烟熏烤沥青直到全部变成黑色。到这里基本的制版步骤就完成了。进入创作阶段艺术家用钢针或是锉刀等工具在锌板上留下记号来创作内容。其原理是刮掉涂层让酸液直接与锌板发生反应形成凹槽,因为腐蚀时间的不同,凹槽的深度也不一样,所以艺术家常常需要和时间赛跑,控制凹槽的深浅。往往刻版和腐蚀这两个动作要反复多次,来达到画面的多层次。这个过程结束后就是最后一步,接下来就是印刷,用清洁剂将底板洗净,擦干,再用塑料片赶压油墨让油墨进入锌板上每一个凹槽,然后用网状织物擦去板上多余的油墨,取出事先准备好打湿过得版画纸,为的是让纸张中的纤维能够完美吸收油墨,避免画面效果过灰。在使用压印机印刷前,还需要仔细校对底板的位置,我们称之为“对版“。一般情况下使印刷内容处于纸张的中间偏上位置,纸张上方留白要少于下方的留白,这样在视觉上较为美观,也是学院中约定俗成的规矩。一切准备就绪,将纸覆盖在锌板上,盖上毛毡防止在压印过程中纸张偏移,转动滚轮慢慢揭开毛毡,这一刻是每个版画人心中最为忐忑激动的时候。整个过程中紧张的心随着揭起作品的手慢慢放松下来,紧绷的神经在最后一刻才释放。

博洛尼亚美院版画系教授 Agim Sako版画作品

明明有着繁琐的创作步骤却又在线条和记号里看不到一丝拘泥,我想版画可能本就是存在于桎梏中的美。

(图片由作者提供)

木刻与钢笔画一组

图、文: 王受之

三个月以前曾经刻了一些木刻,本来想一鼓作气刻一套,当时缺非常小的木刻刀,托了一个家在日本的老师帮我买,他马上帮我选购了,没有想到疫情封禁几个月,拿不到刀,就停下来,改画钢笔画了。

今天学院同事帮我把几个月以前的作品印出来,很有趣。我的木刻近的受黄永玉影响,远的受斯塔纳索夫影响,和钢笔画受法国多列影响完全不同。

很少有人看过我的木刻,现在先给大家看三张。童年故事幻想。

外加几张准备画大张钢笔画的草稿。

数字抽象画:繁衍,重生

花非花 No. 1, 数字绘画


绘画及文字:蒋志雄

繁衍 No. 1, 数字绘画

绘画由具象变形演变为纯粹的抽象,艺术主体从反映客观对象逐渐演变为表现主观意象。

重生 No.2,数字绘画

最近创作的《重生》、《繁衍》系列作品主要以鲜明的色块和水墨的多重表现手法对艺术形象和自然对象外观作大幅度偏离的表达。

繁衍 No. 7, 数字绘画

这些作品虽然和现实世界有着一定程度的潜在联系,但更主要的是创作时将现实世界中所获得的形象加以主观化和情感化的处理,已经突破了我在现实世界中理解的物理现象和定律,从而创作出一些只能在艺术作品世界中才会存在的图像。

繁衍 No. 3, 数字绘画

在作品中运用了不同的表现手法,突出画面的结构特点,将客观物象的比例改变或是打破常规的经验和意向概念。

繁衍 No. 4, 数字绘画
重生 No.1,数字绘画
繁衍 No. 6, 数字绘画

这些表现方法的共同特点是能够辨认出表面上的形象,让观者突破传统的欣赏观念,运用一种全新的角度来体会艺术家想要在作品中所表现的内心感受,通过自己的理解与感受来实现对艺术作品的认知。

重生 No.3,数字绘画
繁衍 No. 5, 数字绘画
繁衍 No. 2, 数字绘画

谭延闿书匾的半园:钩沉与写生

水彩写生及文字: 许海刚

又逢花开时节,画余在家附近闲逛。走进小巷鼓架坡,去找谭延闿书匾的小院落。

谭延闿像(图片出自网络)

谭延闿(1880——1930)民国政坛要角,湖南籍,晚清“官二代”。清光绪三十年(1904年)中进士,任过省“议会”(咨议局)议长。北洋时代,任湖南都督,几次任湖南督军、省长,又几次下野。因为没有自己的军队,一直依违于各种势力之间,当年报纸评为“滑不留手”。国民党政府时代,谭作为没有自己势力的党内元老,是各个派系容易接受的人物,任多种要职,包括国民党中常委、中执委、行政院长、国民政府主席。

谭延闿在政界风生水起,在书法艺术上也颇有建树,他的书法在民国可谓驰誉一时。南京中山陵碑亭里的巨石碑上的题签,黄埔军校校门口的“陆军军官学校”六字,均为谭延闿所书。

黄埔军校校门口的题字 (图片出自网络)

谭延闿书匾额的小院——半园,地处名曰“鼓架坡”的小巷,得名于朱元璋在此击鼓督战的历史掌故。小巷长百多米,宽四、五米,南接涵三宫,北连马家巷,巷道两边都是些破旧的民居,典型武汉老城区的风貌。

现在的“半园”大门

鼓架坡平时少人经过。我多年在这一带写生,没少来。

现在的鼓架坡
《鼓架坡背后的小巷》,水彩写生,1984年

半园,位于鼓架坡中段,门牌27号,修建于1928年。房屋的门框为石料,上面还隐约可见四个印刷体大字“向阳院好”,残留几分文革气息。门口以前有两尊石狮,在“破四旧”中被移去。进院建筑布局似天井,房屋经后人乱搭乱建,勉强还能看出当年格局。前些年还能见到的旧砖木外墙,近年都粉刷 一新。门口多了一条供人休憩的长椅,墙上挂了“优秀历史建筑”铭牌,武汉市评定的。

现在的半园外景
本文作者手绘“半园”方位图

在《千年未有之变》记载:“半园系清末最后一任夏口(即汉口)厅官员胡贽住宅。辛亥革命后, 胡贽官场失意,在此索居建宅,其好友、著名书法家谭延闿赠书“半园”二字为门匾,宅院因此为名。 谭延闿在湖北存留的书法作品不算多,此门匾具有很高的书法艺术价值”。书中还说明:“建筑整体为廊檐格局,木梁雕花精美,墙体用老武昌城墙砖建造的,裸露的墙砖上清晰可见「置武昌府通判孙延华承造」的字样”。

《鼓架坡附近的小街》,水彩写生,1984年

现在的鼓架坡小巷虽不起眼,但当年这儿可是块文化宝地。小巷南边出口,是董必武于1920年创办的私立武汉中学,小巷北边出去拐个弯,是原私立华中大学教授公寓,稍往前行,是国学大师钱基博(钱钟书之父)的家——朴园。如果将范围扩大到方圆公里之内,更是军政要员、学者名流云集。 省主席夏斗寅、第26集团军司令徐源泉、武昌大学校长石瑛、国民革命军第97军军长汪泽等都在此结庐。

《钱基博故居——朴园》,水彩写生,2021年

“半园”之匾,长4尺,宽2尺,用青石刻成,右刻“民国十七年十月”,左刻“谭延闿”。“半园”应该是对住宅的谦称,同时也反映出了谭延闿在政坛上的特点,圆滑,习惯以退为进。

谭延闿书“半园”门匾

对书法,我属于“看热闹”的一族。好在我工作室的隔壁是书法博士许伟东教授,遂向他讨教“半园”二字的门道。得回复:“这应该是据谭的手笔刻的,是谭的典型风格。谭和他弟弟泽闿,书风近似,都是民国很好的书家。延闿更胜于弟。我写过谭延闿批评文章,回头呈您过目”。随后,许教授转来了他2013年在《书法报》发表的介绍谭延闿书法的文章和图片。

许教授的《笃志鲁公,参酌翁钱——谭延闿书法谈》一文论谭延闿的书法艺术。其中一点,我感受颇深。谭延闿在临池时能痴心不二,笃守一碑,独钟颜真卿《麻姑仙坛记》。从1914年开始,数年之中,他共计临摹《麻姑仙坛记》达220通之多。像他这样对单一经典如此沉浸,付出超常的专心与恒心,即使在如今的书坛专业人士中也绝非易事。想现在,很多“半桶水”的人,画了几张画,写了几幅字,就到处自封大师,动不动就要开宗立派,对照谭先生,这些人不知作何感想。

除了“民国书法第一人”的美名,谭延闿还被誉为“民国第一美食家”。他及其家厨创立了被称为“湘菜之源”的“组庵湘菜”,成为湘菜中的著名系列和重要流派,也被称为近代中国官府菜的代表。谭延闿也成为湖南饮食史上绕不过去的人物。

人生在世,各各有志。我以为,如能精通一艺,诸如音乐、美术、舞蹈等,应该就算是美好的一生;若能玩透一癖,像美食、钓鱼、麻将等,应该就算是有情趣的一生。谭延闿把艺和癖都玩到了极致,一生应该算是洒脱精彩,高手。

(图片除注明出处者外,皆由作者提供并授权)

线描速写一组

图、文: 陶  勇 

骑电动车的女子
行走的人

艺术是在生活中诞生的。艺术的概念是非常宽泛的,可以是自然形成的也可以是人对于一些事物下的定义,但是始终都离不开人。人又必须生活,所以艺术的创造很多都是源自于生活,在生活中不断去发掘人们眼中的艺术。而且艺术并没有固定的标准答案,每个人心中都有不同的想法。只有在生活当中才能够有不同的体验,接触到不同的事物。在接触新鲜事物的过程中,不断地挖掘艺术的灵感以及创造艺术的表现形式,这些都与生活有着极为密切的关系。

泡茶,闲聊

用线描速写描写人物会生动和形象,似乎画面中的人物性格、思想、情感和品行都脱颖而出,具有个性化的表现。在塑造速写人物之前要观察,感觉人物的基本特点,用线条简练地将人物的轮廓得以表现,画面动态的生动,最后画细节,用变化丰富的线条,使画面更富有灵气。

餐饮店大妈

线描速写是一种以线条为主来表现物像形象和韵味的绘画形式,和其他形式不同,线描速写没有过多夸张的外在表现手法,用最简单的线条长短、粗细、虚实变化来表现,所追求的恰恰是绘画的本质–形。形的准确性是速写的首要目标;“美”则是线描速写的魅力所在。精致的刻画,整体画面线条的节奏变化和韵律,能够让画面“美”起来。

看手机的青年和行走的女人
快递员
接送孩子的男人